Ich bin hier. Vielleicht nur für einen Augenblick sichtbar, doch vollständig existent.

Identität ist vergänglich. Wie eine Spur im Sand. Für einen Moment sichtbar, geformt aus dem, was da ist. Muscheln und Linien, die wenige Stunden später vom Wind verweht oder von spielenden Füßen überdeckt werden. Doch gerade in dieser Vergänglichkeit liegt ihre Kraft. Kunst mit der Natur existiert, weil du existierst. Sie verschwindet wieder, aber der Akt bleibt.

Kunst in der Natur kann einerseits ein Hinweis für die Schönheit im Vergehen beschreiben oder eine tiefere Bedeutung herstellen, die nicht durch ihre Dauer, sondern durch ihre bloße Präsenz entsteht. Kunst ist hier Handlung und Prozess, nicht nur ein Ergebnis.

Sich einen öffentlichen Raum wie zum Beispiel den Strand zum Kunst machen auszuwählen, ist dabei kein neutraler Ort. Er gehört allen und niemandem. Wer dort Kunst schafft, nimmt Raum ein. Sichtbar zu sein im öffentlichen Raum ist daher auf jeden Fall sozial und vielleicht sogar politisch angehaucht. Nicht jede Ausdrucksform wird gleich wahrgenommen oder gewürdigt. Manche Spuren werden bestaunt, andere übersehen oder mit der Zeit wieder überformt.

Diversität bedeutet Vielfalt, aber ganz klar auch Reibung. Es ist das Nebeneinander unterschiedlicher Perspektiven im selben Raum. Besonders deutlich wird das in bikulturellen Erfahrungen. Zwischen zwei Kulturen zu stehen heißt oft, nie vollständig „hier“ oder „dort“ zu sein. Es bedeutet, zwischen verschiedenen Deutungen zu stehen und unterschiedliche Erwartungen auszubalancieren. Der Soziologe Homi K. Bhabha beschreibt diesen Zwischenraum als „Third Space“. Das ist ein Ort, an dem nicht ein Entweder-oder wichtig ist, sondern wo etwas Drittes entsteht. Identität wird hier nicht gefunden, sondern geschaffen.

Eine vergängliche Strandkunst kann als Metapher für genau diese Erfahrung gelesen werden. Es wird beispielsweise etwas Eigenes aus vorhandenen Fragmenten geschaffen. Denn irgendwo ist der Anfang, wo wir sind, so wie es die Natur vorgegeben hat. Doch wir selbst haben die Möglichkeit, daraus etwas zu kreieren. Aus uns selbst etwas zu machen. Sich selbst (neu) zu erschaffen. Das was du schaffst, ist dann etwas Sichtbares, auch wenn es nicht unbedingt dauerhaft verankert ist. Andere interpretieren oder ignorieren dein Geschaffenes womöglich. Vielleicht sehen sie es nicht vollständig. Doch der entscheidende Blick ist zunächst der eigene. Sich zu zeigen, Spuren zu hinterlassen, Raum einzunehmen, auch wenn das was du geschaffen hast, später wieder verschwinden mag, ist es in diesem Momentum eine Form von Selbstverortung. Hier berührt sich Kunst mit existenzialistischem Denken. Für die existentialistischen Philosoph:innen Jean-Paul Sartre und Simone de Beauvoir ist Identität kein fester Kern, sondern etwas, das sich im Handeln zeigt. Wir sind, was wir tun. In diesem Sinn ist jede künstlerische Geste ein Akt der Selbsterschaffung.

Gleichzeitig zeigt die Neurowissenschaft, dass ästhetische Erfahrungen Empathie fördern können. Wenn wir Geschichten hören, Filme sehen oder Bilder betrachten, aktivieren wir neuronale Netzwerke, die es uns ermöglichen, uns in andere Perspektiven hineinzuversetzen. Kunst macht fremde Lebensrealitäten zumindest gedanklich erfahrbar. Sie kann Vorurteile irritieren und Verständnis erschaffen, nicht durch Belehrung, sondern durch Erfahrung. Gerade für Diversität ist das zentral. Kunst schafft Räume, in denen unterschiedliche Identitäten sichtbar werden können. Sie eröffnet Begegnungen zwischen Perspektiven, die im Alltag nebeneinander existieren, aber seltener wirklich in Kontakt treten. Empathie entsteht dort, wo wir uns berühren lassen von dem, was nicht unsere eigene Geschichte ist und trägt so zur Kontextualisierung bei.

Mir ist aufgefallen, dass sich die Kinder oft nachmachen. Ich habe erfahren, dass das Prinzip des Lernens hier oft das Nachahmen ist. Auch das Nachmalen kann in der Kunsttherapie eine beruhigende und stabilisierende Wirkung entfalten. Indem ein bestehendes Motiv bewusst und achtsam kopiert wird, richtet sich die Aufmerksamkeit auf Formen, Farben und Details. Dieser konzentrierte Prozess kann helfen, Grübeln zu reduzieren und innere Unruhe zu mindern. Gleichzeitig ermöglicht das Nachmalen einen geschützten Zugang zu Gefühlen. Da das Motiv bereits vorgegeben ist, entsteht weniger Leistungsdruck, was besonders bei innerer Unsicherheit entlastend wirkt. Die Auseinandersetzung mit dem Bild, kann zudem Resonanzräume eröffnen. Das bedeutet, dass sich eigene Emotionen im Motiv spiegeln können und über Farbe und Pinselstrich einen Ausdruck finden. So kann das Nachmalen Struktur und Freiheit bieten. Also: Die äußere Vorlage gibt schlichtweg Halt, während der persönliche Ausdruck Raum bekommt. Und natürlich ist es immer einfacher ein Muster als bildliches Beispiel zu haben.

Gleichzeitig wollen wir in den kommenden Wochen immer wieder ausbrechen und versuchen, uns von diesem Nachahmen künstlerisch zu lösen. Das soll die Selbstständigkeit und eigene Kreativität fördern. Im Zuge dessen, haben wir uns mit Gefühlen und einer individuellen, farblichen Auseinandersetzung damit beschäftigt. Freudenfarben waren unter anderem braun, pink, rot, Wutfarben rot, grün und Sadness-Colours blau oder lila. Das war total spannend zu beobachten. Was wären deine Farben zu den jeweiligen Gefühlen?